Angosciante fin dal primo minuto, l'ultimo film di Winterbottom ci regala uno spaccato di vita di una famiglia americana che a seguito di un evento drammatico sceglie di venire in Italia, a Genova appunto, per provare a superare la tragedia che ne ha sconvolto l'esistenza.
La vicenda incontra così una città da raccontare, una città dove la luce crea fortissimi contrasti negli stretti vicoli, popolati da varia umanità e da presenze spesso inquietanti, strade in cui il pericolo è una ipotesi sempre incombente, pur se in fondo scarsamente concretizzata. E' una città dal passato glorioso (la Superba) e dal presente in bilico fra il rumore del traffico caotico e la bellezza sfolgorante e silenziosa delle sue chiese, tra la vitalità giovanile e il passo lento e stanco dei suoi vecchi.
Il ritratto che ne fa il regista è, pur con qualche eccesso, molto concreto e vero, talmente realistico che pare mancare solo degli odori, che potrebbero completare il quadro annullando la distanza tra finzione cinematografica e realtà quotidiana.
Risulta evidente come Winterbottom sia stato incuriosito dagli ascensori e colpito dal grande numero di scooter circolanti, ma profondamente ed intimamente affascinato dal centro storico, che abilmente dipinge in tutte le sue espressioni. Non solo, anche le spiagge, il mare, non hanno nulla che suoni finto o stonato: è il mare "di Genova", delle onde veloci e pesanti che si infrangono su scogli e pietre grigie affollate di bagnanti.
Le rare concessioni scenografiche ci consegnano un film esteticamente molto distante dalla fotografia da cartolina di Soldini, per esempio. Winterbottom coglie l'essenza vera di Genova e con inquadrature strette ed abbondante uso di camera a mano, ne tratteggia tormenti ed insicurezze che rispecchiano i drammi e le paure dei protagonisti stessi. Un legame che però non amplifica le angosce individuali, ma passo dopo passo sembra aiutarci a superarle, prendendoci per mano.

Se il padrone è il nemico da abbattere, la classe operaia, e con essa Gustave de Kervern e Benoit Delépine, non si ferma davanti a nulla.
Come un trattore, sordi alle consuetudini etiche che ci obbligano entro abituali confini, i due registi travolgono ogni ostacolo, scherzando con sfrontatezza e cinismo sulla morte, sui malati terminali, accanendosi con divertito gusto splatter su innocenti animali e bambini, oltre ogni limite del gusto perbenista.
Irriverente, surreale, geniale, è un film denuncia della condizione attuale, in cui la vita vissuta ai margini della società perde di significato ("è vita, questa?"), in contrapposizione allo sfarzo spietato e freddo di chi muove lontane piccole pedine per aumentare il proprio capitale.
Quando la forbice si allarga a dismisura, e neppure l'essersi piegati fino ad arrivare a trasformare se stessi nel disperato tentativo di sopravvivere dà risultati, solo le pistole di un killer artigianale e poco credibile sembrano poter dare soddisfazione.
Contemporaneamente, l'improbabilità delle vicende raccontate ci consente di ridere fino alle lacrime per un film straordinariamente divertente, costellato di spunti comici a cui è impossibile resistere, un film ironico ed intelligente, di grottesca denuncia, forse non a caso realizzato in quella Francia che ha visto nell'ultimo anno molti contrasti aziendali risolti tramite poco ortodossi rapimenti di manager. Ma al cinema si esagera sempre un po', si sa.

"Ora che sappiamo che i ricchi sono dei ladri, se i nostri padri e madri non riusciranno a bonificare la terra, quando saremo grandi ne faremo noi carne macinata".

Se pensate che quei tempi non possano tornare, se pensate che quel passato sia morto e sepolto, che viviamo in democrazie mature, solide, inattaccabile dal germe della autocrazia, della dittatura, se siete convinti di tutto ciò, questo è il film che vi serve. Minerà le voste convinzioni, instillando insicurezza, facendo germinare il sano seme del dubbio.
La storia, che già ispirò il romanzo The wave del 1981, accadde realmente nel 1976 a Palo Alto e viene qui ripresa ed ottimamente calata nella attuale realtà tedesca dal regista Dennis Gansel, che ha realizzato un lavoro convincente ed appassionante, dal ritmo incessante e dal forte impatto visivo, e con una straordinaria capacità di mostrare una trasformazione impercettibile nel breve periodo ma sconvolgente nel suo complesso.
Imperdibile. Tutti dovrebbero vederlo e - magari - aprire gli occhi.
[sito ufficiale]

Cosa accade quando la tua terra, la terra di tuo padre, rischia di essere sacrificata alla ragion di stato? Difficile digerirlo. E se lo stato non è il proprio, ma quello confinante? ed è Israele? e lo scomodo ed incombente vicino è il suo ministro della difesa?
Un piccolo film diventa così paradigma di una situazione sempre attuale, e ancor più in questi giorni drammatici.
La trama, di per sè esile, viene abilmente trattata sviscerando ogni rapporto, ogni piccolo particolare umano e psicologico, dipingendo accuratamente sentimenti e relazioni. I temi diventano così molteplici: il legame con la propria terra ed i propri affetti di cui restano pochi ma intensi ricordi, il desiderio di indipendenza delle donne (che nei conflitti appaiono spesso come l'unica speranza, l'unica via possibile, purtroppo inascoltata), il loro coraggio, la loro modernità contro superficiali tradizioni maschiocentriche, l'ottusa obbedienza militarista che non ha occhi per le persone, inflessibile e stupida, l'insensata diffidenza e paura per l'altro, per lo straniero, che diventa un pericolo a prescindere dagli atteggiamenti e dalla volontà di esserlo, le persone calpestate ed offese in nome di sbandierate necessità di sicurezza nazionale, i muri che dividono ed impediscono le relazioni umane, acuendo i conflitti invece di pacificare i popoli, muri che in fondo (come già nel film La Zona) imprigionano le stesse persone che li ergono a difesa.
E' questa la via per la sicurezza? sono i muri? è la militarizzazione? sono le bombe?

Per una volta non una recensione ma una sensazione.
Uscendo dal cinema ho sentito il rumore di uno scooter e per un lungo attimo ho temuto che il passeggero impugnasse una pistola.
Più di tante parole, questo la dice lunga su quanto il film di Garrone sommerga completamente di una realtà che lascia attoniti e spauriti.

Il nuovo lavoro di Fatih Akin, già regista de La sposa turca, è un film circolare, molto articolato e ben strutturato, in cui gli eventi e le persone si rincorrono costantemente, si sfiorano, si attraversano spesso con effetti devastanti.
Gli incontri realizzati o mancati sono improntati alla più sfacciata casualità, a coincidenze a volte troppo insistite, tanto che, piuttosto che trovarci ai confini del paradiso, spesso si ha la sensazione di essere ai confini della realtà.
A parte questo aspetto che può risultare fastidioso, è un film appassionato e coinvolgente, con molti riferimenti concreti agli aspetti sociali e politici che ruotano intorno alla comunità turca in Germania e all'ingresso della Turchia nell'Unione Europea. Fra Istanbul e Brema viaggiano speranze che spesso tristemente muoiono.
Anche la scelta, discutibile, di annunciare in anticipo una morte non spezza la tensione, che anzi da quella soluzione viene aumentata, lasciando sospesa nell'aria la tragica attesa di una fine che giunge poi sempre improvvisa e violenta. Il filo conduttore è il dolore, gli amori diversi ed i contrasti generazionali, politici e religiosi, sono gli strumenti per raccontarlo.
Il paradiso, la felicità è sempre un po' più in là o, come dice il titolo originale, dall'altra parte. Oltre il confine, oltre le barriere, oltre il vetro ed oltre i muri, non lontano da noi, ma spesso irraggiungibile.

Dopo aver incontrato Buy ed Albanese ed aver visto girare alcune scene, la visione del film di Soldini era dovuta.
La lunga attesa e la curiosità crescente hanno però forse contribuito ad alimentare un po' di delusione.
La trama è piuttosto banale e costellata da eventi prevedibili, articolandosi fra drammi sociali che diventano familiari, immancabili contrasti generazionali e reazioni stereotipate. Lo svolgimento è alquanto piatto, manca una vera evoluzione drammatica. Il livello di tensione è elevato, ma appare tutto sommato costante rispetto ai cambiamenti che vengono raccontati. Anche la recitazione, che pure restituisce bene il profondo senso di insicurezza e di disagio vissuto, non trasmette la progressività del dramma, il disperato scivolamento verso il basso di vite sconvolte.
Tecnicamente, l'uso della camera a mano mi è parso approssimativo e la qualità audio della presa diretta non sempre all'altezza. Anche l'attenzione alla coerenza linguistica lascia alquanto a desiderare.
La fotografia infine è quasi stucchevole nel regalarci una Genova di toccanti tramonti, traffico lento e tetti grigi, di ripetute immagini della lanterna, di cieli opachi e nuvole incombenti. Soprattutto nuvole, insomma.

Sono entrato senza convinzione e sono uscito decisamente perplesso. L'impegno civile tanto decantato resta un sottile e banale filo sullo sfondo di una vicenda confusa, e forse volutamente, per nascondere una trama troppo esile. La storia tarda a svelarsi, si ha l'impressione che la cronologia degli eventi venga mescolata per dare struttura ad un film che ne è privo.
La vera tensione è data dal montaggio, dalla centellinata proposizione dei tasselli necessari a comprendere i ruoli e la vicenda raccontata. Una volta compresa, rimane la sensazione di non aver ricevuto nulla.
L'interpretazione di George Clooney mi è parsa ben lontana da possibili nomination, l'espressione immutabile nonostante gli avvenimenti che dovrebbero cambiarlo, nessuna traccia del tormento interiore che pure dovrebbe essere al centro di etici mutamenti. Meglio, decisamente meglio Tom Wilkinson, forse l'unico personaggio che va un poco al di là di un superficiale tratteggio.

Si vive e si lavora alla giornata, in questo mondo senza regole, in cui si elemosina un impiego qualsiasi, abbandonando le proprie origini, accantonando le proprie capacità professionali, svendendo la propria dignità.
Sottopagati, sfruttati, spesso ricattati, trovano lavori precari e conducono vite precarie. Fuggono da paesi dove povertà e guerre hanno tolto ogni speranza. Liberi di viaggiare, di circolare, di essere merce, caricata e stipata su pulmini che conducono ai luoghi di lavoro. Ingranaggi insignificanti e muti, necessari alla produzione, arricchiscono poche, pochissime persone che restano nell'ombra, dietro i vetri di macchine costose e lucidissime.
Il contrasto fra la protagonista e suo padre è il cuore del film: rende esplicito il dubbio se il lavoro, ancorché precario, sia comunque un'opportunità o se sia invece sfruttamento, e quali possano essere le prospettive a lungo termine di questo processo di competizione verso il basso, di lotta fra deboli.
Come spesso accade nei film di Ken Loach, il futuro è incerto e le domande restano sospese nell'aria, senza risposta.

L'opera prima di Henckel von Donnersmarck racconta la Berlino Est del muro attraverso le vicende simbolo di un agente della Stasi ed una coppia di artisti, il primo alle prese con un'intima trasformazione, i secondi fluttuanti fra il desiderio di libertà e le necessarie costrizioni del regime.
Osannato da critica e pubblico, a me è parso un film di buona fattura, sorretto da alti livelli di drammaticità e recitazione, rigoroso nelle immagini e nella ricostruzione ambientale.
Meno convincente il sottile filo morale che ne attraversa la trama, fatto di silenziosi rimorsi solo parzialmente giustificati da fatti concreti o credibili. La sonata per pianoforte che risveglia le coscienze individuali accompagna un'etica che appare inserita in maniera un po' artificiosa, come a voler contrapporre uomini buoni e uomini cattivi e dare ai primi una possibilità di salvezza, quella possibilità magari negata in passato, dalla vita reale.

Pochi minuti possono esser nulla, nel lungo percorso di una vita. Ne trascorrono a migliaia, inutilmente, chiusi in una cella di una prigione.
Ma ci sono momenti che possono rappresentare uno spiraglio importante, forse decisivo, per chi vive in bilico fra speranza e disperazione.
Quattro minuti è un film emozionante, duro, di forti passioni, di contrapposizioni, di fragilità e violenza, di debolezza e forza, anche se capita di ritrovarsi a chiedersi chi è veramente debole e chi è forte, al di là delle apparenze.
Un film dove amore e morte sono più spesso sfiorati che sviscerati, eppure aleggiano continuamente. Un film sempre sospeso fra passato e presente, intriso di inquietudini e pochi sogni, di libertà cercata e insistentemente negata, un film dove il contrasto fra monotono rigore e folle creatività fa da appassionante colonna sonora e la cieca volontà distruttiva si piega a fatica al fascino dell'armonia e la genialità dell'arte.

Ogni nuvola proietta la sua ombra
Alejandro Gonzalez Inarritu esercita ancora una volta l'arte di strizzarci il cuore e ci riesce benissimo, con un film che è una commistione di linguaggi ma soprattutto di sofferenze consequenziali, la dimostrazione di come una tragedia possa percorrere migliaia di km ed influire sulle vite di persone di tre continenti.
Al di là però della semplice sequenza di cause ed effetti, l'osservazione sulla propagazione del dolore è arricchita da riflessioni ben più profonde.
I diversi piani delle vicende si intrecciano, scoprendo i mali comuni dell'incapacità o impossibilità di comunicare, della violenza come frutto di stupidità e ignoranza, delle fratture fra un mondo ricco e tecnologico ed uno dalle poche risorse.
Il film, che si avvale di un'ottima fotografia, è sempre scorrevole ed acquisisce, via via che le storie si compenetrano, un ritmo più serrato ed una espressione più omogenea.
In fondo, resta l'amara ed involontaria considerazione che, pur nella cattiva sorte, la scia prodotta dal male sembra distruggere le vite dei più poveri mentre sostanzialmente soltanto scalfire quelle di chi ha i mezzi, culturali o economici, per salvarsi. Il dolore a lunga gittata centra solo alcuni bersagli.

"Succede, in una partita di tennis, che la palla colpisca la sommità della rete e per una frazione di secondo possa andare oltre o tornare indietro. Con un po' di fortuna, va oltre e vinci. Ma può non andarci, e perdi."
E' il teorema che Woody Allen svolge nel suo ultimo film, parlandoci del fato e del suo ruolo, di quanto fortuna e sfortuna pesino nelle nostre vite e anche, in fondo, del fatto che quello che ci appare come bene e bello può rivelarsi in realtà male e la peggior scelta per noi.
La tesi è affascinante, ma lo svolgimento lascia molto perplessi già a partire dalla frase-simbolo del film. Chi conosce un po' il tennis sa bene che non esiste una palla che può farti vincere o perdere, perché se sbagli un match point hai sempre ancora la possibilità di vincere la partita.
Di questo invece non c'è traccia nel film, che anzi nell'avvincente finale esprime piuttosto la disperazione di chi si ritrova ad imboccare una strada senza ritorno e, per quanto si sforzi, vede i suoi tentativi impietosamente frustrati. Non c'è una reale e completa via d'uscita. La rete, più che dividere un campo da tennis, imbriglia l'agitarsi senza speranza di chi ha superato il punto di non ritorno.
Formalmente, Match Point è molto ben recitato e la fotografia è splendida. Ma l'eccesso di sfarzo e l'ostentata bellezza è la caratteristica principale della prima parte del film, che risulta perciò poco convincente fino al precipitare dalla commedia alla tragedia. In sintesi, un inutile lungo preludio ad un buon finale.

"In questo mondo non esiste nessuno che sia perfetto, signora."
L'affermazione non è nuova, ma la spensierata allegria di "A qualcuno piace caldo" è ben lontana. Fortunatamente gli imperfetti di questo mondo si macchiano quasi sempre di peccati meno gravi di quelli che Park Chan Wook ci racconta nell'ultimo film della sua trilogia della vendetta, dopo Mr.Vendetta e Old Boy.
Un po' confuso e frammentato nella prima parte per i continui rimandi temporali con i ricordi della vita in prigione della protagonista e delle sue compagne di cella, il film si concentra poi sulla tremenda vicenda che riguarda Geum-Ja, una ragazza nello stesso tempo vittima e carnefice, dolce e spietata. Già dagli affascinanti titoli di testa, il contrasto è reso cromaticamente dal bianco della neve e dal rosso del sangue, di cui come al solito il regista non è avaro: l'aspirazione ad essere pura (be white, live white - sii pura, vivi nel candore) si specchia catarticamente in generosi laghi di sangue. Anche le bellissime e delicate musiche della colonna sonora (Vivaldi) fanno da continuo contraltare alla violenza delle immagini.
Il tragico epilogo è emotivamente durissimo, soprattutto per noi occidentali per i quali la rappresentazione della violenza subita dai bambini è un tabù decisamente più osservato, ma l'improbabile situazione ed alcune battute surreali riescono a smorzare la tensione. In questo, Park Chan Wook è geniale e pienamente nel solco di Takeshi Kitano.